Canción: Lejos, Por La Vida Bohème

La canción de la diáspora.

Caripe y París. Dos localidades que no pueden estar más lejos en espacio, tiempo y forma. ¿Que hago yo aquí? Siempre he tenido una casa segura... ¿Pagando para vivir? ( - mi país sigue llamándome - ) ¿Que habrá por allí? Entre parabrisas y ventanas, yo escogiendo sin opción ( - sigue llamándome - )...

Es el grito interno de una nación en diáspora, de un alma que ha escapado y dejado su cuerpo en su pueblo natal, en un espejo de alguien que entiende la mirada reflexiva joven, desesperada e insegura de su futuro. Escuchar Lejos es recordar el primer día de la migración, el primer día, del resto de nuestras vidas-.

Escaparme de ti, una lejana cancion... para muchos podría representar no es solo un cambio de vida, sino dejar ir al amor de la vida forzosamente, saber que no serás feliz con otra persona y aún así migrar por la fuerza, escogiendo sin opcion...

A nivel musical respetan el estilo que se ha hecho sello propio: un punzante ritmo de batería que habla y se contesta con los efectos de sonido, sus coros de conciertos característicos y la voz desesperada de Henry. Acompañan este single con un vídeo de excelente dirección artística, demostrando finalmente el porque La Vida Bohéme ocupan el lugar que se merece no solo en el Rock Nacional venezolano, sino a nivel Latinoamericano.

La Vida Bohéme entonces, con su acertado tino social, logran sintetizar en cuatro minutos el sentir colectivo de una generación obligada a salir de su país.

Así de relevante, ¿Podríamos estar siendo testigos de la canción de una generación? 

Sólo el tiempo lo dirá.

Año: 2017

Puntuación: 

Clasificación:10s, Rock Nacional, La Vida Bohème, Enérgico

Disco: Infecto De Afecto, Por Sentimiento Muerto.

El incomprendido.

Este es el álbum en el cual Sentimiento Muerto debió salir del Underground. 

A pesar de su single de un disco anterior grabado en New York y haber tocado en el famoso local CBGB, ni dejaron de ser una banda de culto, del boca a boca, ni se hicieron del éxito y reconocimiento apropiados, tan esquivo, que arrastraron su etiqueta under durante toda su historia. 

Para entender esta grabación en su justa medida no queda otra que recorrer los discos anteriores, ya que en otra posición resulta muy complejo apreciar la evolución musical que correspondió para ellos esta nueva forma de composición.

Eva, por ejemplo, es la prueba fehaciente de la madurez alcanzada por la guitarra de Cayayo Troconis. El sonido es cohesivo, el intro es un gancho que te traslada en un viaje sus 3 minutos y medio, y Pablo Dagnino se escucha adulto, concentrado.

Infecto de Afecto, la segunda canción, es una clásica pieza de rock latinoamericano de finales de los 80's. Prestarle atención es viajar al sonido preciso de esa era, sumándole una nueva temática, ahora mas personal e intimista

La Estampida pretende aleccionarnos con sus letras, y se va notando que es la escritura lo que toma el protagonismo en este disco. Atrás quedaron definitivamente las niñerias punk que escribían y grababan en cassetts... y ya que mencionamos esto, hay otro cambio evolutivo relacionado con dicho estilo: Ya más nunca fueron punk (nunca debieron serlo) y también, entonces, abandonaron los tintes New Wave-a-lo-The Cure- que mostraron en El Amor Ya no Existe (1987) y Sin sombra no hay luz (1989) Nos encontramos con una banda que tuvo que pasar por dos discos oficiales para poder encontrar su sabor particular, su identidad.

Otra virtud de este incomprendido disco es que pasa rápidamente en una sola sentada. La mezcla y selección de canciones fue pensada para disfrutarse en un sólo paseo, te llevan a un bajo en el ritmo entre las piezas Tropiezos hasta Estirame El Tiempo, te activa con El Péndulo para que luego la guitarra de Cayayo en La Hora Justa te eleve poco a poco a la cumbre de su esencia como álbum. 

Con Circo Cruel ya, al fin, se relajan un poco en el enfoque y se abren a experimentar con arreglos de violines, trompetas, pautas de flamenco y coros tristes. Finaliza este rápido disco con un título premonitorio: es el Fin Del Cuento. 

Es una pena total que la ya trilladas y tristes excusas de la falta de apoyo al rock venezolano, por parte de disqueras mastodónticas e ineficientes como Sonorodven, se hayan tragado en el underground la posibilidad de apreciar la evolución final de una banda que encontró, al forzado final de su carrera, su propio sonido. 

Año: 1991

Puntuacion:

Clasificación:90's, Rock Nacional, Cayayo, Enérgico, Latin Rock, Sentimiento Muerto, Underground, Discos

Disco: La Violó, La Mató, La Picó , Por Dermis Tatú.

El Verdadero Sonido Del Rock Caraqueño.

*De este disco se ya se ha hablado mucho en numerosos blogs y hasta en un documental, pero que se entienda su peculiar importancia es indispensable en este blog, para el rock latino en general y para entender al rock venezolano en lo particular. 

Para comprender este disco y su seminal importancia en Venezuela hay que comprender su contexto histórico. 

Los títulos noticiosos en los periódicos caraqueños eran vertiginosamente graficos y directos, y el nombre de este disco refleja dicha realidad con su polémico título. Cayayo Troconis, guitarra de este Power Trío, fue señalado por la prensa. "-Ese es un titular de ustedes-" fue su respuesta en su momento.

Cayayo. Este rockero siempre nombrado, siempre referenciado, en la Caracas de los 90's, fue el héroe underground por excelencia del sonido que definió al rock de la ciudad. Músico cuyo talento irrepetible con la guitarra marcó el camino que han de tomar las bandas citadinas a partir de este disco. 

De esto estamos hablando.

Las Letras.

La Violó, La Mató, La Picó muestra desde el vamos, con El Sonido de Los Taxis, la realidad de la noche caraqueña: Te cuenta la historia desde el punto de vista de sus protagonistas, te traslada y te hace participe. El disco se las arregla luego para que en cada canción esté la historia inconexa de una generación que vivió esta ciudad de una forma personal e intensa. Nunca se había hecho algo así en la escena local, y es importante porque llegó en el momento de la formación musical de la próxima generación de musicos. Integrantes de Charliepapa, Viniloversus, Los Mesoneros, La Vida Boheme, Bioshaft y varios etcéteras, crecieron aprendiendo esta forma de composición. 

Esta es la la gran contribución de este álbum: una fuente de referencia en los que varios músicos locales de manera confesa, bebieron para reforzar el verdadero sonido y la identidad del underground venezolano. 

La Música 

El álbum es innovador. Ya teníamos un intento de precuela con el Infecto de Afecto, pero es acá y con la libertad creativa que estos tres jóvenes obtuvieron al salir de Sentimiento Muerto, que las ideas del sonido caraqueño como tal maduran y se adaptan al sonido de los 90's. 

El disco combina canciones atemporales. Corazón Gris, por ejemplo, es una canción que puede ser fácilmente un single de 2020. Terrenal, el himno de los roqueros caraqueños de la época por excelencia, tiene dos partes, algo totalmente nuevo en la escena del momento. Comienza con una reminiscencia grunge al más puro estilo de Soundgarden para terminar con una impecable pieza de Jazz-Fusion en ritmo funk. ¿Quien había hecho eso antes en Venezuela? Absolutamente nadie, y estamos hablando de tres jóvenes, no de músicos académicos. Talento puro.

 

Dicho esto, más que reseñar canción por canción, permítase un viaje al pasado reciente de la escena nocturna del rock venezolano, siéntase joven de nuevo, muévase libre por la noche noventera de una ciudad llena de pubs locales, en la que un nuevo sonido estaba siendo creado sobre la marcha. Al fin y al cabo, esto es lo que inspira este disco. 

Año: 1995

Puntuación:

Clasificación: 90's; Enérgico; Rock Nacional; Latin Rock; Cabilla; Underground; Cayayo

Disco: Jei Beibi! , por Café Tacvba

Tuve que decirle que no.

A los Cafetas los dejaron libres e hicieron los que les vino en gana. Su primer disco totalmente independiente, Jei Beibi! , nos dice desde su portada un manifiesto: Un collage caótico de canciones sin control ejecutivo alguno. No hay disquera a quien hacer responsable sino a ellos mismos -y a sus conciencias-. 

Dicho esto, han tomado su absoluto control creativo de una forma apresurada. Debieron recordar el enfoque que obtuvieron con experiencias como Avalancha de Éxitos o el Revés/Yo Soy , esto sin nombrar el majestuso disco Re. Todo eso quedó atras, olvidado en esta nueva etapa de los Cafetas. Apuraron con autocomplaciencia un disco que suena absolutamente ecléctico, pero sin forma, desperdiciando la tenor timbre de Rubén por una forzada voz grave en varias de sus canciones, las cuales no encajan definitivamente con su talento. Tambien se desaprovecha la colaboración de Gustavo Santaollalla, su quinto Cafeta: no hay casi señales de este doble ganador del Óscar en las composiciones, sólo mezquinos rasgos dispersos.

No todo está perdido en Jei Beibi!, claro está . La canción inicial 1-2-3 es un claro guiño a Plastilina Mosh , sonando como si estuvieran haciendo un cover. Matando inicia muy bien y tiene quizás las mejores frases literarias del disco, pero Automático es un encore innecesario y precoz que no causa ninguna gracia e interrumpe el mood inicial. Empieza Enamorado la cual nunca termina de arrancar y vale decir que esto se repite durante varias canciónes: No hay un cénit, o en el mejor de los casos explotan tarde. Futuro es un desastre sobrevalorado. Resolana de Luna, otro encore mal ubicado que lo intenta y no lo logra. En El Mundo En Que Nací dejan cantar a Meme y su particular estilo salva la tarde, siendo la primera recomendación. Luego vienen un par de tracks totalmente descartables para llegar a la mejor canción de todo el Álbum: Que No, la cual en un futuro será canción obligada en sus conciertos, entregando la mejor versión de Ruben y un impecable video que deja debatiendo el significado oculto de sus letras.

Y lastimosamente, éste álbum no ofrece más nada que otro buen video para su canción Disolviendonos y otro despropósito de canción de cumpleaños final llamada Celebración .

Lo siento Cafetas, tuve que decirles que no.

Tal vez en otro momento.

Año: 2017

Puntuación:

Clasificación: 10s; Enérgico 

Disco: Mettavolution, por Rodrigo Y Gabriela

Despegue.

Y, finalmente, ha despegado el dueto.

Rodrigo y Gabriela. Estos músicos callejeros mexicanos que tocaban covers de Metallica para vivir en las calles de Europa, sueños en mano, llenos de ilusiones, con el firme propósito de no aceptar ningún trabajo que no fuera de su música. Sin prisas pero sin pausas, estos talentos que vengo siguiendo desde 2004, EP tras EP, Bootlegs, videos en la plataforma Youtube... en algún momento, tenian que despegar.

No decepcionaron. Tras una serie de publicaciones de menor escala ( la mayor de ella fué cuando tocaron en La Habana y grabaron con una oscura banda local llamada C.U.B.A. ) mucho bagaje alrededor del mundo y toques con Robert Trujillo, han hecho su mejor y más reciente publicación : una explosión sonora llevada a cabo con solo dos guitarras y toneladas de flamenco, influencias de Al Di Meola, un sentido del ritmo impecable y una personalidad propia en cada guitarra: Gaby ataca con furia las cuerdas de nylon llevando el ritmo flamenco y el corazón del duo, sincopando con jazz e impulsando las dinámicas, y Rodrigo tocando sobre esa línea melódica su mezcla propia de metal, hard rock, tintes de guitarra clásica y blues.

En este disco, si se cuidaron de no sonar repetitivos: cada canción es un viaje distinto. En la canción Cumbé, por ejemplo, el dúo combina flamenco y cumbia inyectando una de sus guitarras a un pedal wah-wah a mitad de canción. En Electric Soul , prefieren irse por un camino mas intimo sin perder el ánimo nunca, para servir mejor el plato fuerte de Krotona Days, canción con la cual demuestran mejor sus capacidades rockero-acústicas.

Dejaría por fuera su cover de Pink Floyd que aparece al final, para hacer a este disco, perfecto. Aún así, se recomienda ampliamente.

Este dueto llegó, ahora si, para ser tomado en serio.

Año: 2019

Puntuación:

Clasificación:10s; Ambient ; Enérgico ; Indie ; Up

Disco: Boggy Depot, por Jerry Cantrell

El Némesis del Post-Grunge.

Atención buscadores de tesoros musicales: Jerry Cantrell hizo en el 98' una verdadera gema del Hard Rock, y aún, ustedes, no se han enterado. En una época en que el mainstream y la música independiente no se la llevaban bien , tiempos más bien pre-indies, salió un disco que intentó despertar de la resaca del Grunge la escena musical , en manos de, irónicamente, un héroe caido del mismo.

Jerry Cantrell y su combo ( entre los que se incluyen al bajista de Pantera, Rex Brown) demuestran cabalmente que las reglas no escritas del rock existen por algo: una alineación clásica en Power Trío por cada canción, temas sin adornos ni embellecimientos innecesarios, un vocalista lider que además habla con las guitarras, letras directas al pecho y sin filtros...Buggy Depot concatena una lista de temas enérgicos que transmiten poder y fuerza sin grandilocuencias. Es un seminario del rock para la generación del 90, y las partes melódicas del álbum, como la canción Breaks my Back, demustran que la sublimidad a-lo-Eric Clapton-version-hard rock- no es un terreno extraño que pudiera ser explotado por Cantrell en discos posteriores.

Dicho esto, se esperaba que los discos subsiguientes de Alice In Chains vinieran en esta tónica: No sucedió, convirtiendo a Boggy Depot en una verdadera rareza, que adquiere cada vez más valor con el tiempo.

Advertidos están quienes disfrutan de los discografía de AC/DC , y Slash. A quienes nunca jamás se adaptaron adormecimiento mainstream del Post-Grunge : Buggy Depot es un disco que Ud. debe tener. 

Puntuación:

Clasificación: 90s, Hard Rock, Enérgico, Up, Cabilla