jueves, 21 de mayo de 2020

Las 10 Canciones, de la Catársis Venezolana.



La música como sentimiento de libertad.
La libertad no tiene colores, ni tonalidad,
Pero siempre se anhela
Desde lo más profundo de la mente.

No es una cuestión de clase social.
Sin derechas o izquierdas,
El venezolano, antes y ahora
Ha expresado su catarsis
Con alegres tonos, o con fuertes ritmos
Atropellado o Triste
Estoico o Iracundo
Pero de alguna forma, con talento
Su posición, ha dejado.

No renunciaremos sin pelear.
Y en este caso, sin expresar.

También con música, se ha enfrentado al monstruo de turno que ha traído oscuridad a nuestra tierra. Bestias de diferentes formas, las primeras con cabezas de corrupción, injusticía, pobreza, y las más recientes con cuerpo de tiranía, usurpación, asesinatos. Miseria. En todo caso, cada una de estas huestes políticas han tenido en su momento su himno de resistencia, y es menester, en este momento, hacer un conteo de las 10 canciones que más catarsis nos hacen sentir al momento de escucharlas y, porque no, cantarlas en algún momento de la lucha.

En ese sentido, esta lista no es un soundtrack histórico, se basa en una muestra donde la tonalidad pesa más que el contexto histórico y la letra es medida con el yunque de la catarsis que provoca.

Por muchas razones, hay canciones de esta lista que son de tonalidad alegre, bien sea para ocultar en su calidez caribeña la agudeza de la denuncia social, bien sea para evitar la siempre censura que nos acompaña, o bien sea para simpatizar con el carácter jovial que nos caracteriza. Otras van directo a la narrativa dolorosa de nuestra situación, bien sea dentro del país o como emigrante, y las mejores, ya invitan de frente o con metáforas, a ser un miembro activo de la reflexión colectiva. No en vano algunas de las bandas mencionadas se han ganado en su momento, el desprecio o el apoyo, dependiendo del lado de la historia en que Ud. se encuentre, y dependiendo del político que la escuche.

Como siempre, 10 canciones es muy poco, se quedan afuera algunas conocidas, esta es la selección del editor, con los parámetros arriba mencionados. Si Ud. desea un disco dedicado a este tema, le sugiero buscar el disco Visiones de la banda Versed , la cual dedica la temática de su álbum primogénito a la catarsis y lucha colectiva. 

Sin más dilaciones, comenzamos. La música en los enlaces. 

  • #10: Alto, por Spias.


Catarsis: Levantamiento Popular. Denuncia Social. Hastío Colectivo

Poco comprendidos, los Spias se manejaron por varios géneros, pero el que más disfrutaron fue el Heavy Rock, en donde incluso tuvieron tiempo de dedicar una canción al corrupto de turno, pero la pieza está tan bien construida, que la hace atemporal, aplicable a cualquier político. No sólo eso, te habla a tí, te juzga por tu omisión, por intentar tapar el sol con un dedo, y lo acompaña con un rabioso solo de guitarra. Descarga para ambos lados de la guerra.
Empezamos con fuerza.
 

Catarsis: Levantamiento Popular. Revolución.

Prohibido dejarse llevar por el ritmo hipnótico de la cumbia inicial. Esta es una canción absolutamente incendiaria, que oculta sus intenciones en el idioma y en el ritmo: 
"You better fight, fight, you better fight for your rights
You better be strong, strong, when the police come
You better run, run, tell all your people around
Revolution, if there is any opposition!"
Cuando comienza el ragamuffin, se escuchan las voces que llaman al levantamiento en armas, pero la pistola es la esperanza y el objetivo, la ignorancia.

Catarsis: Inseguridad Social. Denuncia Social. Venganza.

Venezuela. Uno de los países mas peligrosos para vivir del planeta. Todos y cada uno de nosotros tiene una historia de violencia personal. Un familiar o amigo muy cercano, atracado, secuestrado o, en el caso de la canción, asesinado.
El dolor personal de Blanquito Man queda expresado en esta canción, de principio a fin, y lleva a cabo su venganza personal, con el punzante ritmo de ragamuffin que potencia sus ganas.

  • #7: Tiembla, por Desorden Público.

Catarsis: Denuncia Social. Hastío Colectivo.

Antes de Allá Cayó, existió un impecable tema de denuncia y esperanza: Tiembla  fue la primera canción que acercó el tema de la reflexión social a la generación X, esta generación de los 90's que sabia que las cosas no iban bien, pero necesitaban una voz. Desordencon sus ritmos alegres, pisa la llaga en los políticos de una era en que no se escuchaba a los jóvenes.
Y nos deja uno de los mejores videos, que tuvimos la suerte de ver en la señal de TV abierta, para la posteridad. Inolvidable:
 



Catarsis: Denuncia Social. Reflexión Colectiva.

Desorden tiene años denunciando la situación social de Venezuela. Canciones como Políticos Paralíticos dejan constancia de ello... pero es realmente la fuerza musical de Tetero de Petróleo el espejo del paupérrimo manejo de los recursos del país más rico de Sudamerica. 
Fue en su momento, el intento de una banda de sacudir las mentes retrógradas de los políticos del país.
Mentalidad que nunca cambió y nos llevó a la catástrofe actual.
 


Catarsis: Levantamiento Popular. Reflexión Colectiva.

"Basta de vivir así (...) la historia hoy se cambiará (...) nuestras acciones determinaran, el rumbo del destino, que estamos por crear..."

Si una canción como esta, no te levanta de la silla y te motiva a pelear por tu país, nada ya lo va hacer. Los muchachos de Versed de hecho, apostaron un disco entero a sacudir las conciencias de los indecisos adormecidos. Canciones como El Despertar nos dejan claro que el joven venezolano está dispuesto a luchar hasta el final. 


Catarsis: Emigración Forzada. Denuncia Social

"Que la cosa está jodía en la calle / En Nueva York, la cosa está prendía así no mas..."
Canción adelantada a su tiempo, ya Blanquito Man contaba las peripecias de un venezolano en el extranjero, su enfrentamiento con la xenofobia y la discriminación, en este exquisito cover de The Police. Atemporal, aún refleja las situaciones de la migración forzada y las dificultades de la diáspora, años antes de su canción específica
 

Catarsis: Hastío Colectivo, Levantamiento Popular.
 
Canción Indispensable de la catarsis estudiantil.
Así suena la rabia en el Caribe.
Ya hemos analizado esa canción con detenimiento previamente, léalo ACA y entérese porque esta canción es obligatoria en esta lista, en esta posición.
 

Catarsis: Hastío Colectivo

No confunda sus ritmos alegres a lo Café Tacvba: La canción que causo la victoria de Okills en el Festival de Nuevas Bandas, oculta el manifiesto de los jóvenes que quieren escupirle al dictador, sus verdades. La grabación es una ejercicio de descarga de principio a fin, y el hecho que nos haga bailar en vivo es la forma de drenar tanta energía contenida.

Cantarla a todo pulmón es imaginarse al autocrata ser insultado por nosotros.


Catarsis: Denuncia Social.
En este top ten, no podía faltar algún exponente del movimiento Hip Hop, y de su instrumento: el Rap. Venezuela tiene muchos exponentes de la temática social en el género y de esa lista extensa, la obvia selección del editor tenía que ser Rotten Town, cuya letra entera es un noticiero:
Hundred people die every week / (Cientos de personas mueren cada semana)
we nuh live in war / (No vivimos en guerra)
country is full of freaks / (Pero el país está lleno de *monstruos)
We have more death than Pakistan / (Tenemos mas muertos que Pakistán)
La canción toma una connotación especial al saber que su autor recibió un balazo en la cabeza. De alguna forma, la canción tristemente lo presagia:
Tonight somewhere blood ah go run / (esta noche, en algun lugar, la sangre correra...)
En todo caso, la grabación no pierde la esperanza. Desde el inicio, te invita a seguir peleando:
"Yo le digo a la juventud, que sigan luchando por la cosas que creen,
y confíen en la victoria del bien sobre el mal..."

https://www.youtube.com/watch?v=k1HQgU3xocU
Catarsis: Levantamiento Popular.
"La Vida Boheme, te invita, al incumplimento del orden jurídico vigente."
Toda la carne en el asador. A fondo. Este intro, dicho dos veces, fué prohibido por el régimen. Razones no les faltan: el miedo a otro levantamiento estudiantil al ritmo de a batería de Chevy Ayala y con la violencia del riff inicial de Daniel de Sousa, era latente... y aún lo es. 

La Calle Barcelona nos advierte que nos va a pasar como nación, que van hacer los gobernantes, y que bien van a quedar ellos ante el mundo. Es una visión del futuro de las intenciones del régimen y las muertes que en el proceso, serán en vano. Nos recuerda la capacidad de la tiranía que tiene:
"Para lavar la historia, como Sodoma y Gomorra  / Para crear historias, de ángeles caídos, de líderes perdidos"
Un claro guiño al incidente de Danilo Anderson. 
"Rimbombante aquí te espero, entre muertos y crayolas
Esperando la noche que caigan las olas del cielo"
Es la esperanza de un pueblo que envía a sus estudiantes a batalla, esperando ya en este punto, una solución divina, una elipsis que no llega.
"En el fin del mundo, solo, solito, solo
Bailaré y cantaré con ángeles caídos"
Es Venezuela el fin del mundo de esta canción, donde se baila y canta sobre los cadáveres de los manifestantes que sólo querían un país mejor.


Comentarios abiertos, para enriquecer esta lista. 

martes, 19 de mayo de 2020

Canción: Viernes Negro, Por La Vida Bohème.

ESCUCHALA ACÁ:


Música con Fuerza y Propósito.


Super-producida. Caótica. Es un desorden que no disgusta.
Mezcolanza de ritmos tropicales atropellados a ritmo de rock.
¿Cómo suena la rabia?
La rabia se atraganta en la garganta, se enreda en la lengua. Se trastoca con el paladar.

Muchos se quejan de la música actual. Aducen que les falta propósito, literalmente.
La Vida Boheme produce un caos sonoro que suena a reclamo social, a marcha con molotovs, a gritos en la cara, rostros disfrazados. Guarimba. No es bonito el tema, no es agradable, pero es catártico, necesario. En ese contexto, tenemos una canción que levanta la mano.

La batería de Chevy Ayala te atropella, mientras el bajo de Boli Perez hace una línea punzante que enseguida capta tu atención: suena a Caribe adentro, a Venezuela. Henry, nuevamente repetitivo, reclamándole a sus ancestros y buscando respuestas en ellos. Caos.

La canción tiene una continuación directa en el disco: Helena , grabación hermana que tiene que invita a escucharse enseguida, en esta ocasión la letra cambia para no relacionarse con la primera, pero el desespero caótico es el mismo.

En definitiva, esto es música con fuerza y propósito, algo que le falta al mainstream. Es un grupo en estado efervescente que no les gusta lo que está pasando. Hay un sentimiento de reconquista. 

¿Y Cómo suena la rabia en el Caribe?
Suena a La Vida Boheme.

Año: 2013

Puntuación:
                                                        

Clasificación: 10s ; Cabilla ; Indie ; Rock Nacional ; Latin Rock La Vida Bohème

jueves, 30 de abril de 2020

Discos: Several Shades Of Why - Tied to a Star - Elastic Days , por J Mascis .

ESCUCHA LOS DISCOS MÁS ABAJO ;)


La trilogía del indie folk obligatoria.


La música, así como el cine , es una especie de arte, y muchas veces este arte necesita ser visto como un trabajo complejo que va en secuencias , en vez de verse como lanzamientos individuales. Joseph Mascis, a través de los años, ha lanzado tres discos bastante espaciados en tiempo, que son en su conjunto, la trilogía completa de un sólo concepto.

En este raro contexto, pocas veces se ha visto que se tenga que descubrir a través de una obra dicha inspiración, y para ello el artista, en vez de publicar sus trabajos con una nomenclatura específica
( por ejemplo nombrar los discos como I, II Y III ), deja en el buen oído de su público hacer dicho descubrimiento.

A través de estos tres trabajos discográficos, si se escuchan atentamente, se van dando cuenta los oyentes que cada disco se va conectado con el siguiente, y el pasaje se va dibujando con su continuación en el siguiente álbum. Los dos primeros van dejando al oyente con ganas de más, ansiando saber como va terminar la historia musical acá contada.

El arte visual de cada disco es impactante, y verlo mientras salen las notas de la guitarra acústica son un viaje sensorial a la mente criptica de Joseph, de ese disco, y de ese momento.



Algunas de las piezas están escritas para ser singles, pero la línea general de los tres discos son la apreciación de los tracks uno detrás del otro, como capítulos de una larga película.

    Several Shades Of Why

En Several Shades Of Why ( "Varias Sombras de Porque" ), de 2011 y el primero de esta trilogía, le baja el aplastante volumen a su guitarra eléctrica de Dinosaur Jr. por un momento. para entregar un trabajo acústico cuyo entorno brilla en un modo sutil y dinámico, con excelentes músicos de acompañamiento ( Kurt Vile y Sophie Trudeau) en segundas guitarras y violines que dan textura y profundidad a este álbum que dan paso a una siguiente entrega. Su punto diferenciador son los esquistos acompañamientos vocales en la voz femenina de Sophie.




Tied to a Star (Atado a una Estrella) es uno de esos raros casos de una secuela que sigue siendo tan satisfactoria como la original. Y es en ese momento que caes en cuenta de la continuidad de este trabajo, a pesar de ser publicado en 2004. Pero en esta ocasión se viene el giro argumental de esta obra, ya que conecta su guitarra en ocasiones e incluso cuando ésta toma la delantera, su trabajo acústico es rico e imaginativo, dejando a su fender jazzmaster contestar de una forma calmada, sublime, cálida, sin disminuir su presencia o potencia. Para reforzarlo, se atreve a incluir percusiones en algunos tracks, como punto diferenciador.


    Elastic Days

"Te veo en las películas/películas de mi mente" son las frases iniciales para Elastic Days de 2008, invitándote a culminar esta secuencia de grabaciones con más acentos eléctricos en los arreglos iniciales, sutilmente haciendo este disco menos rock y regresando la saga hacia el ritmo folk inicial del primero. En esta ocasión, Joseph maneja todo el trabajo instrumental a excepción del piano y algunos coros, dándole a este álbum su sabor particular, todavía sonando con pulso imponente a pesar de la falta de amplificadores.


Esta trilogía es música que viene del corazón y se siente bien. Las pistas atraen al oyente y ordenan la atención desde la primera hasta la última. El murmullo apedreado del primer disco se transforma conectando la guitarra en el segundo y se resuelve finalmente de una forma lúcida en último, dándole el cierre definitivo.

Tómese su tiempo y deje rodar esta película musical.

Puntuación:

Clasificación: 10s, Folk , Meditativa , Underground , J Mascis


miércoles, 29 de abril de 2020

Canción: Frank Black ( Versión En Vivo en el FNB ), por La Leche

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Manifesto Joven De Los 90's.


En la extensa búsqueda de material de esta difícil banda de culto, hay una verdad relevante: La Leche fueron una banda para escuchar en vivo. Casi 10 años después de su separación, sólo se pudo obtener un póstumo álbum de estudio, fuera de su correcto tiempo y contexto, con incluso uno de sus integrantes habiendo fallecido antes de la publicación del mismo. La historia de la banda y alrededor de la publicación del álbum ( llamado 45 ) resulta mas interesante que su contenido. 

Sólo los bootlegs en vivo capturaron la fuerza bruta de esta banda underground de Venezuela.

Seminal e influyente, La Leche fue la respuesta venezolana a Green Day y The Offspring, pero con más sentimiento, más visceral, sus letras vienen del alma adolescente que necesita ser escuchada. Así, Frank Black es un reclamo valido de espacio, un golpe en la mesa apelando a la libertad personal que se requiere como pareja, en el espejo de un joven que en un acto de rebeldía de su relación tóxica manifiesta aquí y ahora desde su argumento: "Déjame en Paz", reclamando entre líneas.

En los 90's, ningún joven de la escena escribía bajo esa perspectiva dichas temáticas, y tomando en cuenta que grabaciones posteriores a esta del FNB son copias descafeinadas del sentimiento impreso en este concierto, hacen de esta versión en específico un documento musical único. 

Puede que el Punk Revival ya esté muerto, pero Venezuela tuvo, capturado en un instante, su intérprete y mejor momento.

Puntuación: 




lunes, 27 de abril de 2020

Canción: Lejos, Por La Vida Bohème

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La canción de la diáspora.


Caripe y París. Dos localidades que no pueden estar más lejos en espacio, tiempo y forma. ¿Que hago yo aquí? Siempre he tenido una casa segura... ¿Pagando para vivir? ( - mi país sigue llamándome - ) ¿Que habrá por allí? Entre parabrisas y ventanas, yo escogiendo sin opción ( - sigue llamándome - )...

Es el grito interno de una nación en diáspora, de un alma que ha escapado y dejado su cuerpo en su pueblo natal, en un espejo de alguien que entiende la mirada reflexiva joven, desesperada e insegura de su futuro. Escuchar Lejos es recordar el primer día de la migración, el primer día, del resto de nuestras vidas-.

Escaparme de ti, una lejana cancion... para muchos podría representar no es solo un cambio de vida, sino dejar ir al amor de la vida forzosamente, saber que no serás feliz con otra persona y aún así migrar por la fuerza, escogiendo sin opcion...



A nivel musical respetan el estilo que se ha hecho sello propio: un punzante ritmo de batería que habla y se contesta con los efectos de sonido, sus coros de conciertos característicos y la voz desesperada de Henry. Acompañan este single con un vídeo de excelente dirección artística, demostrando finalmente el porque La Vida Bohéme ocupan el lugar que se merece no solo en el Rock Nacional venezolano, sino a nivel Latinoamericano.

La Vida Bohéme entonces, con su acertado tino social, logran sintetizar en cuatro minutos el sentir colectivo de una generación obligada a salir de su país.

Así de relevante, ¿Podríamos estar siendo testigos de la canción de una generación? 

Sólo el tiempo lo dirá.

Año: 2017

Puntuación: 

domingo, 26 de abril de 2020

Disco: Inéditas, por Cangrejo .

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Folk con sabor caraqueño. 


Existen músicos que viven su vida al viento, sin tomarse su carrera demasiado en serio. Enamorados de los locales pequeños, de los toques improvisados, de la vida bohemia; Cangrejo, casi por unanimidad, ha sido el representante de este comportamiento errático en Caracas. Bajista de la vieja escuela, de la primera ola de del Rock Nacional, ha tenido participación, de alguna u otra forma, en las principales bandas fundadoras del género en Venezuela. 
Su vida desordenada impidió que se reconociera su influencia.

Inéditas es, más que un álbum, la recopilación de algunos de sus canciones escritas a través de 30 años de errática carrera, excluyendo las de Seguridad Nacional, su principal banda primigenia. Esta colección permite darnos al fin a conocer a un artista más maduro y que optó por mostrar su material al mejor estilo folk e intimista.

Esta serie de temas cuenta con el doble mérito de permitir escuchar la voz de Cayayo Troconis por última vez, son verdaderas grabaciones inéditas, la mitad de ellas en vivo, que la gente desconocía que estaban en algún lugar y que finalmente se dan a la luz.

El estilo es suave y directo mayormente, parece el testimonio de un músico que al fin descubrió el orden sin renunciar a lo que más le gusta. Su mezcla está perfecta para una tarde relajada o para una noche de bar y tragos. Dime Que Si, la segunda de su recopilación, es su plato fuerte, donde incluso se puede escuchar la guitarra de Cayayo en su versión más melódica. 

Así que, use esta recopilación como ruido de fondo para un buen vino y una buena y amena compañía.

Año: 1997

Recomendadas:

2. Dime Que Si
4. Reina De La Noche
8. Yo no soy tu dueño

Puntuación:


Disco: Infecto De Afecto, Por Sentimiento Muerto.

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El incomprendido.


Este es el álbum en el cual Sentimiento Muerto debió salir del Underground

A pesar de su single de un disco anterior grabado en New York y haber tocado en el famoso local CBGB, ni dejaron de ser una banda de culto, del boca a boca, ni se hicieron del éxito y reconocimiento apropiados, tan esquivo, que arrastraron su etiqueta under durante toda su historia. 

Para entender esta grabación en su justa medida no queda otra que recorrer los discos anteriores, ya que en otra posición resulta muy complejo apreciar la evolución musical que correspondió para ellos esta nueva forma de composición.


Eva, por ejemplo, es la prueba fehaciente de la madurez alcanzada por la guitarra de Cayayo Troconis. El sonido es cohesivo, el intro es un gancho que te traslada en un viaje sus 3 minutos y medio, y Pablo Dagnino se escucha adulto, concentrado.
Infecto de Afecto, la segunda canción, es una clásica pieza de rock latinoamericano de finales de los 80's. Prestarle atención es viajar al sonido preciso de esa era, sumándole una nueva temática, ahora mas personal e intimista
La Estampida pretende aleccionarnos con sus letras, y se va notando que es la escritura lo que toma el protagonismo en este disco. Atrás quedaron definitivamente las niñerias punk que escribían y grababan en cassetts... y ya que mencionamos esto, hay otro cambio evolutivo relacionado con dicho estilo: Ya más nunca fueron punk (nunca debieron serlo) y también, entonces, abandonaron los tintes New Wave-a-lo-The Cure- que mostraron en El Amor Ya no Existe (1987) y Sin sombra no hay luz (1989) Nos encontramos con una banda que tuvo que pasar por dos discos oficiales para poder encontrar su sabor particular, su identidad.

Otra virtud de este incomprendido disco es que pasa rápidamente en una sola sentada. La mezcla y selección de canciones fue pensada para disfrutarse en un sólo paseo, te llevan a un bajo en el ritmo entre las piezas Tropiezos hasta Estirame El Tiempo, te activa con El Péndulo para que luego la guitarra de Cayayo en La Hora Justa te eleve poco a poco a la cumbre de su esencia como álbum. 

Con Circo Cruel ya, al fin, se relajan un poco en el enfoque y se abren a experimentar con arreglos de violines, trompetas, pautas de flamenco y coros tristes. Finaliza este rápido disco con un título premonitorio: es el Fin Del Cuento. 


Es una pena total que la ya trilladas y tristes excusas de la falta de apoyo al rock venezolano, por parte de disqueras mastodónticas e ineficientes como Sonorodvense hayan tragado en el underground la posibilidad de apreciar la evolución final de una banda que encontró, al forzado final de su carrera, su propio sonido. 

Año: 1991

Puntuacion:




viernes, 24 de abril de 2020

Disco: La Violó, La Mató, La Picó , Por Dermis Tatú.

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El Verdadero Sonido Del Rock Caraqueño.


*De este disco se ya se ha hablado mucho en numerosos blogs y hasta en un documental, pero que se entienda su peculiar importancia es indispensable en este blog, para el rock latino en general y para entender al rock venezolano en lo particular. 

Para comprender este disco y su seminal importancia en Venezuela hay que comprender su contexto histórico. 
Los títulos noticiosos en los periódicos caraqueños eran vertiginosamente graficos y directos, y el nombre de este disco refleja dicha realidad con su polémico título. Cayayo Troconis, guitarra de este Power Trío, fue señalado por la prensa. "-Ese es un titular de ustedes-" fue su respuesta en su momento.

Cayayo. Este rockero siempre nombrado, siempre referenciado, en la Caracas de los 90's, fue el héroe underground por excelencia del sonido que definió al rock de la ciudad. Músico cuyo talento irrepetible con la guitarra marcó el camino que han de tomar las bandas citadinas a partir de este disco. 
De esto estamos hablando.

Las Letras.
La Violó, La Mató, La Picó muestra desde el vamos, con El Sonido de Los Taxis, la realidad de la noche caraqueña: Te cuenta la historia desde el punto de vista de sus protagonistas, te traslada y te hace participe. El disco se las arregla luego para que en cada canción esté la historia inconexa de una generación que vivió esta ciudad de una forma personal e intensa. Nunca se había hecho algo así en la escena local, y es importante porque llegó en el momento de la formación musical de la próxima generación de musicos. Integrantes de Charliepapa, Viniloversus, Los Mesoneros, La Vida Boheme, Bioshaft y varios etcéteras, crecieron aprendiendo esta forma de composición. 

Esta es la la gran contribución de este álbum: una fuente de referencia en los que varios músicos locales de manera confesa, bebieron para reforzar el verdadero sonido y la identidad del underground venezolano. 

La Música 
El álbum es innovador. Ya teníamos un intento de precuela con el Infecto de Afecto, pero es acá y con la libertad creativa que estos tres jóvenes obtuvieron al salir de Sentimiento Muerto, que las ideas del sonido caraqueño como tal maduran y se adaptan al sonido de los 90's. 

El disco combina canciones atemporales. Corazón Gris, por ejemplo, es una canción que puede ser fácilmente un single de 2020. Terrenal, el himno de los roqueros caraqueños de la época por excelencia, tiene dos partes, algo totalmente nuevo en la escena del momento. Comienza con una reminiscencia grunge al más puro estilo de Soundgarden para terminar con una impecable pieza de Jazz-Fusion en ritmo funk. ¿Quien había hecho eso antes en Venezuela? Absolutamente nadie, y estamos hablando de tres jóvenes, no de músicos académicos. Talento puro.
 

Dicho esto, más que reseñar canción por canción, permítase un viaje al pasado reciente de la escena nocturna del rock venezolano, siéntase joven de nuevo, muévase libre por la noche noventera de una ciudad llena de pubs locales, en la que un nuevo sonido estaba siendo creado sobre la marcha. Al fin y al cabo, esto es lo que inspira este disco. 

Año: 1995

Puntuación:




sábado, 18 de abril de 2020

Disco: Jei Beibi! , por Café Tacvba

ESCUCHA EL DISCO ACÁ:


Tuve que decirle que no.


A los Cafetas los dejaron libres e hicieron los que les vino en gana. Su primer disco totalmente independiente, Jei Beibi! , nos dice desde su portada un manifiesto: Un collage caótico de canciones sin control ejecutivo alguno. No hay disquera a quien hacer responsable sino a ellos mismos -y a sus conciencias-

Dicho esto, han tomado su absoluto control creativo de una forma apresurada. Debieron recordar el enfoque que obtuvieron con experiencias como Avalancha de Éxitos o el Revés/Yo Soy , esto sin nombrar el majestuso disco Re. Todo eso quedó atras, olvidado en esta nueva etapa de los Cafetas. Apuraron con autocomplaciencia un disco que suena absolutamente ecléctico, pero sin forma, desperdiciando la tenor timbre de Rubén por una forzada voz grave en varias de sus canciones, las cuales no encajan definitivamente con su talento. Tambien se desaprovecha la colaboración de Gustavo Santaollalla, su quinto Cafeta: no hay casi señales de este doble ganador del Óscar en las composiciones, sólo mezquinos rasgos dispersos.

No todo está perdido en Jei Beibi!, claro está . La canción inicial 1-2-3 es un claro guiño a Plastilina Mosh , sonando como si estuvieran haciendo un cover. Matando inicia muy bien y tiene quizás las mejores frases literarias del disco, pero Automático es un encore innecesario y precoz que no causa ninguna gracia e interrumpe el mood inicial. Empieza Enamorado la cual nunca termina de arrancar y vale decir que esto se repite durante varias canciónes: No hay un cénit, o en el mejor de los casos explotan tarde. Futuro es un desastre sobrevalorado. Resolana de Luna, otro encore mal ubicado que lo intenta y no lo logra. En El Mundo En Que Nací dejan cantar a Meme y su particular estilo salva la tarde, siendo la primera recomendación. Luego vienen un par de tracks totalmente descartables para llegar a la mejor canción de todo el Álbum: Que No, la cual en un futuro será canción obligada en sus conciertos, entregando la mejor versión de Ruben y un impecable video que deja debatiendo el significado oculto de sus letras.

Y lastimosamente, éste álbum no ofrece más nada que otro buen video para su canción Disolviendonos y otro despropósito de canción de cumpleaños final llamada Celebración .

Lo siento Cafetas, tuve que decirles que no.
Tal vez en otro momento.

Año: 2017

Puntuación:

Clasificación: 10s; Enérgico 


jueves, 16 de abril de 2020

Disco: Mettavolution, por Rodrigo Y Gabriela

HAZ CLICK Y ESCUCHA EL DISCO



Despegue.


Y, finalmente, ha despegado el dueto.

Rodrigo y Gabriela. Estos músicos callejeros mexicanos que tocaban covers de Metallica para vivir en las calles de Europa, sueños en mano, llenos de ilusiones, con el firme propósito de no aceptar ningún trabajo que no fuera de su música. Sin prisas pero sin pausas, estos talentos que vengo siguiendo desde 2004, EP tras EP, Bootlegs, videos en la plataforma Youtube... en algún momento, tenian que despegar.

No decepcionaron. Tras una serie de publicaciones de menor escala ( la mayor de ella fué cuando tocaron en La Habana y grabaron con una oscura banda local llamada C.U.B.A. ) mucho bagaje alrededor del mundo y toques con Robert Trujillo, han hecho su mejor y más reciente publicación : una explosión sonora llevada a cabo con solo dos guitarras y toneladas de flamenco, influencias de Al Di Meola, un sentido del ritmo impecable y una personalidad propia en cada guitarra: Gaby ataca con furia las cuerdas de nylon llevando el ritmo flamenco y el corazón del duo, sincopando con jazz e impulsando las dinámicas, y Rodrigo tocando sobre esa línea melódica su mezcla propia de metal, hard rock, tintes de guitarra clásica y blues.

En este disco, si se cuidaron de no sonar repetitivos: cada canción es un viaje distinto. En la canción Cumbé, por ejemplo, el dúo combina flamenco y cumbia inyectando una de sus guitarras a un pedal wah-wah a mitad de canciónEn Electric Soul , prefieren irse por un camino mas intimo sin perder el ánimo nunca, para servir mejor el plato fuerte de Krotona Days, canción con la cual demuestran mejor sus capacidades rockero-acústicas.

Dejaría por fuera su cover de Pink Floyd que aparece al final, para hacer a este disco, perfecto. Aún así, se recomienda ampliamente.

Este dueto llegó, ahora si, para ser tomado en serio.

Año: 2019

Puntuación:

Clasificación:10s; Ambient ; Enérgico ; Indie ; Up